La food photography vise à présenter la nourriture comme un produit de grande classe et stylé : conseils pour les photographes utilisant l’éclairage des natures mortes.
Ces dernières années, la food photography est devenue un genre qui s’est émancipé de la pure nature morte. Principalement destiné à la publicité, elle a aussi ses usages pratiques. En fait, un food photographer se consacre également à la reproduction d’images pour l’emballage des produits alimentaires eux-mêmes. Pour les menus et pour les magazines ou publications de cuisine. Le récent boom de la photographie alimentaire a également donné lieu à quelques excès. Il n’est pas rare que la nourriture soit représentée de manière très édulcorée, entre compositions spectaculaires et post-production poussée.
Le photographe culinaire
Cependant, lorsque la “nourriture devient belle”, le styliste culinaire entre en scène. Ce personnage a pour mission de rendre un plat “photographiable” de la meilleure façon possible. Il veille à ce que la cuisson des ingrédients ne les rende pas, par exemple, pâteux ou décolorés. Il essaie également de faire intervenir les sens invisibles, tels que l’odorat et le goût, dans la composition. Il a un grand sens de l’esthétique. Il peut travailler en équipe avec le photographe et les membres de la production, et même donner des conseils utiles sur la façon de filmer si nécessaire.
De l’achat des produits à l’image finale, le styliste culinaire supervise chaque étape. Il prépare plusieurs variantes d’un même plat, afin de pouvoir choisir la plus belle disposition. Il arrive aussi que les aliments soient “améliorés” avec des produits qui les rendent plus brillants ou plus saturés. Ou même que l’on travaille avec des modèles, des reproductions fidèles.
Jusqu’à présent, nous parlons de food photography pratiquée à un niveau hautement professionnel. Les exemples suivants font toujours référence à un domaine spécialisé, mais avec quelque chose de plus créatif. Commençons par dire que le meilleur éclairage pour la photographie alimentaire est l’éclairage classique de la nature morte. Et bien sûr, les accessoires de studio photographique les plus populaires.
Lumières pour still life et pour food photography
Dans le domaine de la photographie culinaire, c’est généralement le client qui décide et communique au photographe culinaire et à son équipe le type de sentiment qui doit être transmis à ceux qui regarderont ensuite la photo du plat. Le décor et l’éclairage doivent donc être spécialement conçus, comme c’est également le cas dans la staged photography. Il peut également arriver que vous preniez des photos avec une lumière naturelle, si vous voulez communiquer l’ambiance de quelque chose d’authentique et non artificiel. Cependant, en général, ce dont nous pouvons avoir besoin pour photographier de la nourriture est :
- un ou plusieurs flashs stroboscopiques de studio, à disposer selon le schéma d’éclairage souhaité
- en alternative, des flashs externes Nikon, des flashs externes Canon, des flashs externes Fuji, pour autant qu’ils puissent également être synchronisés et créer un éclairage polyvalent
- Il est également intéressant de disposer d’un ring flash conçu pour la macrophotographie : une option manifestement réservée aux food photographers expérimentés.
- des diffuseurs de lumière indispensables pour modeler le faisceau lumineux produit par les flashs, qui ne risquent pas de reproduire des ombres dures ou nettes. Par conséquent, la lumière verte aux softboxes, bancs, lanternes et tout ce qui peut aider à personnaliser les lumières de la nature morte.
- pour les plus expérimentés et pour ceux qui souhaitent travailler confortablement, en maîtrisant les reflets et l’arrière-plan, il peut être intéressant d’envisager l’achat d’une table pour natures mortes. Les ajustements et le positionnement des éléments de la composition seront certainement plus faciles et les résultats plus professionnels.
- comme nous l’avons mentionné, le type de toile de fond à utiliser varie en fonction de ce que vous voulez communiquer avec la photo finale. D’un fond blanc ou noir, neutre, à une toile de fond créative
Éclairage
- pratique, pour les débutants, pour ceux qui se déplacent beaucoup ou pour ceux qui doivent produire de nombreuses images en série également les box photographiques (ou photo box).
- Il ne faut pas sous-estimer la nécessité d’un statif boom, pour une flexibilité maximale en termes d’éclairage. Ou pour être utilisé pour des plans d’ensemble ou des séquences spectaculaires. Les socles en général sont toujours un bon support à avoir sous la main. Mettre en pratique toute solution créative qui se présente sur le moment.
- évidemment, à un niveau professionnel (mais pas seulement), disposer d’un posemètre rendra le calibrage de l’éclairage des natures mortes encore plus précis. Dans un genre photographique où la précision et le souci du détail sont essentiels.
Tout cela semble bien plus complexe à dire qu’à faire. Voyons maintenant comment les grands photographes du passé et du présent ont abordé le thème de la nourriture.
La nourriture sculpturale
Edward Weston est l’un des photographes les plus importants du XXe siècle. Grand expérimentateur, il est passé par différentes phases artistiques, de l’utilisation du flou artistique (effet flou) à l’un des plus grands représentants du réalisme en photographie. Vision sous laquelle il a immortalisé la vie dans toutes ses manifestations. Avec Ansel Adams, il est l’un des fondateurs du groupe f/64. Le nombre qui est fixé sur le diaphragme de l’appareil photo donne la plus grande profondeur de champ. La mise au point du monde entier devant l’objectif.
À l’opposé du pictorialisme photographique, ce groupe visait à toujours obtenir des images parfaitement nettes présentées selon les canons classiques de la rigueur formelle. Pour comprendre la nature et ce qu’elle produit, Weston tente de s’identifier à elle, afin d’en saisir l’essence. Ainsi, sous son regard, les feuilles, les légumes, les champignons et bien d’autres aliments deviennent comme des sculptures.
Métaphore visuelle
Dans ses natures mortes saisissantes, le photographe réussit à synthétiser la structure formelle d’une manière poétique et, si l’on veut, abstraite, mais en même temps extrêmement réaliste. En effet, les compositions sont minimalistes et le clair-obscur déterminé par l’éclairage des natures mortes souligne magistralement la “physionomie” des sujets photographiés. Tout est imprégné d’un sens inébranlable de l’équilibre, de la linéarité, de la simplicité et de la sensualité. On pourrait dire qu’avec ces images, nous sommes à l’aube de la photographie industrielle et, si vous voulez, de ce que nous appelons aujourd’hui la food photography. En sortant un objet, ou comme dans ce cas la nourriture, de son contexte, sa forme devient une métaphore visuelle. Ce qui paradoxalement est plus vrai en profondeur que la photo d’un poivron collé à une plante au milieu d’un champ.
Photographie d’aliments : 4 idées pour photographier des aliments à l’aide d’un éclairage de nature morte
Edward Weston
Nourriture surréaliste
Le duo de photographes suisses Peter Fischli et David Weiss a opéré un changement significatif dans la représentation formelle des objets et, dans ce cas, toujours de la nourriture. Dans la série de photographies “Quiet Afternoon“, on observe des objets et de la nourriture qui semblent avoir été ramassés au hasard. Des compositions surréalistes qui jouent sur le concept d’équilibre sont alors mises en place avec eux. Des sculptures paradoxales qui pourraient en quelque sorte être reproposées pour parler de l’alimentation comme excès ou carence.
Dans le cadre de la mise en scène proposée par Fischli et Weiss, les assemblages sont photographiés sur des fonds opaques et avec un éclairage de nature morte parfois assez spectaculaire, produisant des ombres obliques ou aseptiques. La rigueur formelle contraste avec le concept humoristique de la mise en scène. Ce sens comique interroge le caractère sacré de la réalité et de l’œuvre d’art, qui voudrait la capturer. Les objets du quotidien prennent d’autres significations et, si vous voulez, une vie propre. En témoigne leur film “The way things go“, dans lequel des objets à l’intérieur d’un hangar prennent vie, selon une sorte d’effet domino grotesque et ironique. Peter Fischli et David Weiss ont souvent utilisé la nourriture dans leur production artistique, dans une sorte de food photography faite de légèreté, dans tous les sens du terme.
Photographie d’aliments : 4 idées pour photographier des aliments à l’aide d’un éclairage de nature morte
Peter Fischli et David Weiss
Les aliments surprenants
L’artiste suédoise Agnes Cecilia Fideli Siri Charlotte Sundqvist apporte au food design toute la créativité des peuples nordiques. Illustratrice et graphiste plutôt que photographe, elle a attiré l’attention grâce à ses compositions originales qui mêlent objets réels et aliments en papier. En effet, l’artiste du papier crée de magnifiques simulacres d’aliments de manière brillante et sculpturale, selon une technique qui l’a toujours fascinée, en raison des nombreuses possibilités créatives offertes par la tridimensionnalité des éléments créés.
Les images de Sundqvist sont reproduites photographiquement avec un éclairage classique de nature morte rappelant la peinture flamande, célèbre pour illustrer souvent des aliments dans des natures mortes. Dans d’autres cas, la lumière est équilibrée et diffuse, ce qui contribue à créer la “tromperie” visuelle par laquelle les aliments gravés dans le papier semblent réels.
Photographie d’aliments : 4 idées pour photographier des aliments en utilisant l’éclairage de nature morte
Agnes Cecilia Fideli Siri Charlotte Sundqvist
La nourriture comme performance
L’art conceptuel a également fait appel à la photographie. L’un des principaux représentants de ce courant est la photographe française Sophie Calle. Son travail porte sur le mélange de l’art pur, c’est-à-dire animé par une stratégie précise, et de la vie quotidienne. La réalité et la fiction se chevauchent constamment : on peut parler de performance, où le rôle du spectateur, ou de celui qui regarde l’œuvre, oscille toujours entre en faire partie et en être extérieur, avec une attitude voyeuriste.
Sophie Calle a collaboré avec l’écrivain Paul Auster, qui lui a fait des “scénarios”. L’un de ceux-ci impliquait qu’elle se fasse passer pour Maria et qu’elle doive accomplir certaines activités. L’un d’entre eux était le régime chromatique : pendant une semaine, Calle n’a mangé que des aliments d’une seule couleur par jour et l’a consigné dans un dossier photographique. De cette façon, l’observateur est obligé de ne prêter attention qu’à une petite quantité d’aliments, ceux de la même couleur. Le dernier jour de la représentation, l’artiste a invité les convives à dîner et a demandé à chacun de choisir un repas qui constitue le régime alimentaire.
