Still-life : donner vie à des objets inanimés avec la lumière photographique

Still-life, c’est-à-dire la représentation d’objets à travers une technique photographique spécifique : la nature morte selon les artistes contemporains.

Lorsque nous pensons au still-life, notre esprit nous ramène très probablement aux splendides peintures de fruits, de légumes, de fleurs, de nourriture, d’animaux et d’objets quotidiens réalisées par des maîtres peintres. De tous, on retient les majestueux peintres flamands. Mais ce type de figuration fait également partie des genres photographiques, c’est pourquoi on parle de photographie de nature morte.

Une photo still life, conçue à des fins commerciales (photographie de produit), vise essentiellement à être l’image la plus descriptive d’un objet donné. Elle met en valeur ses principales caractéristiques, souligne ses formes et est harmonieuse à regarder. Une photo de nature morte de ce type peut être contextualisée dans un cadre spécialement conçu, symbolique ou simplement cohérent avec le sujet principal, mais aussi immortalisée sur un fond neutre, complètement isolé du contexte.

La nature morte

La nature morte peut sembler un type de photographie simple, dans la mesure où le sujet est immobile et où, souvent, le cadrage reste fixe, tout comme les paramètres de prise de vue. En réalité, l’étude des schémas d’éclairage et le résultat final doivent être précis et bien mesurés.

Les choses changent ensuite en fonction des contextes et des objectifs de communication : la photographie de nature morte, en tant que moyen d’expression artistique, est apparemment plus libre de certains schémas, aujourd’hui de plus en plus adoptés également par la publicité.

En fait, nous verrons comment certains des principaux photographes contemporains abordent la nature morte. Vous trouverez beaucoup de ces “canons-pas-canons” également dans les stories Instagram des marques les plus avant-gardistes, qui trouvent désormais dépassée une certaine façon de prendre des photos de nature morte trop éloignée de la réalité.

Les difficultés des différents genres photographiques

L’habitude (peut-être souvent pas si bonne) de classer les choses en types et subdivisions conduit à l’identification de divers genres photographiques. Chacun d’entre eux a ses criticités, parmi lesquelles même la nature morte n’est pas exempte. Voyons ce que c’est :

• portrait, c’est-à-dire lorsqu’il s’agit de représenter des personnes engagées dans leurs activités, il faut être prêt à capter les expressions et les gestes pertinents, ce qui aide également à utiliser des vitesses d’obturation rapides. Dans la staged photography, les personnages sont immobiles dans des poses imposées et, souvent, l’éclairage contribue également à leur caractérisation.
• paysage, c’est-à-dire surmonter la difficulté de trouver le meilleur point de vue pour mettre en valeur un paysage très varié
• photographie sportive ou la photographie de sujets en mouvement, c’est-à-dire essayer de capturer la meilleure action et son point culminant, en s’aidant d’un timing et d’une mise au point rapides et, si nécessaire, de téléobjectifs
• photographie de natures mortes, c’est-à-dire la recherche de la position optimale d’un objet, en laissant la lumière venir du meilleur angle pour le mettre en valeur et en réglant son intensité et sa température, en étudiant un contexte qui fait office de cadre. Ou bien cherchez l’expressivité particulière des objets placés autour. Sur un plateau photographique, l’éclairage est généralement contrôlé : on utilise des flashs de studio (qui consomment moins et sont plus puissants) ou des lampes à lumière continue, généralement des LED. La règle principale est une préférence pour les faisceaux lumineux diffus et doux qui ne créent pas d’ombres nettes. Le light designer étudiera ensuite soigneusement les reflets et les effets de couleur qu’il souhaite obtenir au moyen de modificateurs et de shapers, de snoots, de réflecteurs, de panneaux et de softbox. Les photo box sont également de plus en plus répandus : de véritables plateaux photo miniatures, en forme de cube, recouverts de tissu diffuseur pour adoucir la lumière réfléchie et équipés de petits fonds de couleur interchangeables. Une solution rapide et “intelligente” pour ceux qui, par exemple, doivent prendre des photos pour un commerce électronique ou pour des catalogues qui doivent être mis à jour fréquemment. Les “cubes photographiques” sont portables et permettent de prendre des photos de qualité, même lorsqu’elles sont prises via un smartphone.

La nature morte sous un angle plus large

Si la nature morte, d’un point de vue fonctionnel et destinée à un usage commercial, est définie par un certain nombre de détails techniques, la vision d’auteur laisse plus de place à des prises de vue plus libres et, si vous voulez, réalistes. Voici comment certains photographes contemporains ont abordé la nature morte comme une photographie expressive.

1 – Laura Letinsky

Il y a une double lecture, en termes de signification, dans les natures mortes de Laura Letinsky : ce sont des natures mortes symboliques, c’est-à-dire qu’elles représentent des relations humaines. Letinsky immortalise souvent des tables après qu’un repas a été consommé et dans lesquelles des traces de nourriture sont encore présentes, qui par le cadrage deviennent allégoriques. L’autre référence dans tout cela est la peinture hollandaise, qui a fait de la nature morte de fruits, d’aliments et de plantes sa marque de fabrique.

Toute la puissance expressive des natures mortes prises par le photographe repose sur une perspective qui peut changer la perception que nous avons des objets souvent insignifiants et banals que nous utilisons tous les jours. Les plateaux de table photographiés semblent être inclinés et ce qui est sur le dessus est prêt à rouler vers le sol. Il s’agit d’une métaphore des relations humaines instables et précaires, celles auxquelles la vie contemporaine nous a habitués. Cependant, chaque élément est positionné stratégiquement pour nous aider à saisir le récit qui va au-delà de l’image pure et simple.

Laura Letinsky

Quelques conseils : si vous voulez prendre des photos dans le style de celles de Laura Letinsky, vous pouvez utiliser la lumière naturelle en plaçant les compositions de natures mortes près d’une fenêtre. Vous pouvez aussi utiliser la lumière artificielle d’une pièce.

Ce qui fait vraiment la différence dans ces images très simples et minimales, c’est l’appareil photo grand format avec lequel elles sont prises. De manière ” artisanale “, on peut souligner les détails à l’aide d’un flash speedlite avec un diffuseur et apporter quelques touches de couleur avec des gelées colorées.

2 – Wolfgang Tillmans

Wolfgang Tillmans est un auteur qui a toujours su dépasser le “cadre” de la photographie telle que nous la connaissons souvent. Ayant utilisé tout type d’image remédiée (transportée d’un média à un autre), des photocopies aux images de stock, en passant par les cartes postales, son projet “Suit” mérite d’être mentionné.

Il s’agit d’une série de natures mortes représentant des vêtements laissés à l’abandon, sur le sol ou sur des rampes, suspendus pour sécher. Et en tout cas, filmés précisément sous la forme désinvolte qu’ils ont prise dans ces postes. On a l’impression d’être devant des moulages en plâtre ou la peau morte d’un animal qui a terminé sa mue.

Wolfgang Tillmans

Quelques conseils : les photos de Tillmans sont également prises sans trop d’artifices en termes d’éclairage. L’éclairage ne semble pas particulièrement diffus ou adouci, un flash speedlite peut être utile.

3 – Jeff Wall

Les objets photographiés semblent aléatoires, alors qu’il s’agit en fait de compositions “mises en scène” et montées au millimètre près. Il s’agit du “jeu” conceptuel de la nature morte dans le cadre du projet “Diagonal Composition” de Jeff Wall. Célèbre pour ses impressionnantes mises en scène, avec des acteurs et des décors reproduisant des environnements entiers. Avec cette œuvre, Wall semble s’écarter de son style caractéristique.

En réalité, ce qui sous-tend conceptuellement les œuvres de la série est le même sens. Ce qui nous amène à nous poser des questions : “Pourquoi s’arrêter pour regarder ces tableaux ?”, “S’il n’y avait pas le cadre qui les désigne comme une œuvre d’art, aurions-nous jamais remarqué des angles agréables avec des objets communs immortalisés ?”.

Les compositions mises en scène, après un deuxième regard attentif, présentent des canons formels bien équilibrés et des couleurs équilibrées. Comme des tableaux artistiques dans la plus classique des traditions figuratives. Il s’agit d’une stratégie qui fait désormais partie du domaine de la communication.

Jeff Wall

Quelques conseils : la staged photography, même lorsqu’il s’agit de photos de natures mortes, nécessite un schéma d’éclairage très similaire à celui utilisé pour le tournage de films ou de vidéos en général. Un éclairage continu par LED pourrait être le meilleur pour reproduire des images élaborées. En outre, il sera plus facile de prévisualiser les lumières et les ombres telles qu’elles seront dans la photo finale.

4 – Leonora Hamill

Dans sa série de photos “Art in progress“, Leonora Hamill capture un temps suspendu. Celui qui précède la création d’une œuvre d’art ou celui qui le suit, qu’il s’agisse d’une photo, d’une peinture ou même d’une sculpture. En effet, les ateliers d’artistes, les ateliers de peinture et de sculpture sont photographiés. Y compris les studios, avec tous les objets et outils nécessaires à la réalisation de l’œuvre elle-même.

Les pièces sont dépourvues de toute présence humaine : stands, lumières, fonds, toiles, pinceaux, blocs d’argile recouverts sont les principaux acteurs de la scène. L’art fait de l’art, les objets qu’un artiste utilise au quotidien sont capables de parler de lui. Mieux encore que ses œuvres, parfois, dans le silence de l’espace qu’il utilise ou a utilisé pour les créer.

Leonora Hamill

Quelques conseils : les photos de Hamill sont prises en lumière naturelle ou éclairées par les lampes à l’intérieur des pièces. Vous pouvez essayer de contrôler un peu les reflets avec un filtre polarisant.

5 – Bela Borsodi

Dans ses photographies de natures mortes, Bela Borsodi combine différents sujets et concepts, souvent de manière surréaliste et provocante. Ses images se prêtent bien au monde de la mode et de la publicité. Elle peut d’ailleurs se targuer de nombreuses publications et commandes dans ce domaine.

Borsodi a un intérêt marqué pour la psychologie, qui se reflète également dans la composition de ses photos. Son style se caractérise par un goût très tridimensionnel et la combinaison de références artistiques et de design graphique, sujets qui font partie du parcours éducatif de Bela Borsodi. Le résultat est toujours une imagerie amusante et clinquante, résolument imaginative, qui ne peut passer inaperçue.

Bela Borsodi

Quelques conseils : les natures mortes professionnelles et commerciales nécessitent des flashs de studio et des softbox, pour diffuser et diriger la lumière de la manière souhaitée, la rendre ductile et capable de ” dessiner ” les sujets.

6 – Mitch Feinberg

Depuis plus de 15 ans, Mitch Feinberg se consacre à la photographie de natures mortes pour des marques de luxe, devenant ainsi l’un des photographes de bijoux et d’accessoires les plus réputés au monde. Mais avec un style très reconnaissable et jamais banal qui joue sur les formes et la décomposition des contenus, les motifs répétitifs, la rigueur de la composition, les jeux de lumière savants et les plans finaux toujours surprenants, véritables œuvres de design.

Mitch Feinberg

Quelques conseils : pour définir les très petits détails des bijoux et des accessoires, il peut être utile de monter un snoot conique sur le flash de studio.

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